EL GÓTICO

El desarrollo económico, político y social que vive Europa desde finales del siglo XII, promovido por la reapertura de las grandes rutas comerciales y el resurgir de las ciudades se plasma en el arte gótico.
Esto supone también un nuevo papel y una nueva concepción de la catedral, hasta tal punto que se convierte en su símbolo máximo, que se relaciona con la recuperación aristotélica de la naturaleza y su relación con lo divino que supone la teología/filosofía de Sto. Tomas de Aquino.
En las ciudades, banqueros, comerciantes, artesanos, ordenes mendicantes (franciscanos y dominicos), escuelas y universidades se convierten en los promotores del nuevo estilo, lo que se tradujo en la construcción de edificios municipales que simbolizaban el poder de la ciudad.
El Cister, nueva orden benedictina, directamente relacionada con la consolidación de la monarquía francesa serán los impulsores y encargados de expandir el arte gótico.
Pero junto a la Iglesia aparecerán nuevos clientes: la Corte de los reyes, los nobles poderosos y los mismos burgueses de las ciudades.

DESMATERIALIZACIÓN DEL MURO
La idea de que Dios es la Luz (derivada de las tesis de San Dionisio el Pseudo-areopagita, reinterpretadas por Bernardo de Claraval) promueve en arquitectura la
Desmaterialización del muro. Gracias al sistema arco apuntado/bóveda de crucería, que permite desplazar los empujes (arcos, nervios, arbotantes, estribos) hacia el exterior del edificio, se puede aligerar y calar el muro, consiguiendo así gran luminosidad gracias a las vidrieras.

EVOLUCIÓN
Según la disposición de los elementos del muro interior (arquería, tribuna, triforio, ventana) podemos señalar tres etapas en la evolución del gótico:
• Temprano (XII): Alzado cuatripartito.
• Pleno (XIII): Se suprime la tribuna. Alzado tripartito. A mediados de siglo se tiende a unificar visualmente con
un mainel triforio y claristorio
• Brillante (XIII-XIV-XV): Muro Translúcido, al ser sustituido por vidrieras.
En los siglos XIV y XV se produce una tendencia a los excesos decorativos y ornamentales con complejas tracerías en ventanales y bóvedas.

ARQUITECTURA GÓTICA

Hablamos de gótico, al referirnos a un estilo que renueva los principios arquitectónicos anteriores, al "destruir" prácticamente el muro, con la aparición de
nuevos soporte
s arquitectónicos, tales como el arco apuntado que permite repartir mejor las descargas del edificio, elevarlos en altura y abrir huecos en los muros. Esto junto con la bóveda de crucería permitirán crear unas edificaciones en donde verticalidad y luminosidad serán la clave.
Las plantas de cruz latina, de tres o cinco naves, con un amplio desarrollo de la cabecera, en donde hay una girola o deambulatorio con capillas radiales. El soporte es el pilar fasciculado (haz de columnillas que se comunican con cada uno de los nervios de las bóvedas). El muro gótico es una simple membrana, en donde sólo los soportes mencionados mantienen el edificio, acompañados de contrafuertes y arbotantes. Esto permite el estallido de la luz, una luz atenuada y misteriosa por las vidrieras.
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Alzado.jpg
external image roseton.jpgETAPAS DE DESARROLLO DE LA ARQUITECTURA GÓTICA
Francia y en torno a París, surgiría el nuevo estilo. Es el abad Suger el fundador de la arquitectura gótica al llevar a cabo la reconstrucción del coro de la abadía de Saint-Denis (1140/44), a partir de aquí podemos ver una evolución, que si bien se circunscribe a Francia, también es utilizada en otros países:
Primera época ( 2ª mitad del s. XII y el s. XIII). Formación y Plenitud. Época de fe, de amor y de entusiasmo. La fe de los Capetos, con Luís IX, el rey Santo, y la prolongada paz que consigue políticamente favorecen la elevación de templos en tiempos cada vez más breves. La rapidez de la construcción le da a la obra una unidad de estilo rara vez obtenida en la Edad Media. Sobresalen Notre-Dame de parís, Chartres, Amiens y Reims. Estas catedrales definen un tipo de edificio que será muy repetido: fachada con dos torres y tres puertas con rica decoración escultórica, espacio dividio en 3 o 5 naves, importancia del crucero y énfasis en la altura.
Segunda época (s. XIV y 1ª mitad del s. XV). Gótico Internacional. La fe y el entusiasmo que habían hecho elevar catedrales hacia el cielo que honraban a la Virgen, Nuestra Señora (Notre Damme), se van extinguiendo con el final del s. XIII. Otras preocupaciones morales y económicas, así como la Guerra de los Cien Años, cambiaron radicalmente el panorama religioso en buena parte de Europa. Hay una evolución hacia una importancia cada vez mayor de los aspectos decorativos (estilo ornamental). Por otra parte, el crecimiento de las universidades, en las que la razón sustituía al sentimiento, contribuye a que la piedad no sea producto de la fe sino del estudio.
En 1309 se traslada la sede papal a Avignon. En los años siguientes se produce un notable desarrollo del arte cortesano, altamente refinado y elegante, que coincide con el del la música y el lenguaje de los trovadores. El movimiento es común en toda Europa, y se le conoce con el nombre de Gótico Internacional.
Tercera época (2ª mitad del s. XV). Agotamiento y Gótico Flamígero. Al extinguirse la espiritualidad que fundamentaba el estilo, se busca una salida estética. Es el Gótico Flamígero, que sin innovar nada en los aspectos técnicos y estructurales, expresa el gusto por la decoración exuberante, peculiar de una época de riqueza material. Esta efusión ornamental llega, en ocasiones, a prevalecer sobre las propias estructuras, a las que oculta, dando la sensación de un gran vegetal que consume definitivamente el estilo arquitectónico.






LA ESCULTURA GÓTICA

La escultura vivirá una época deexternal image 21.-Comparacion%20Portada%20Romanica%20y%20Gotica.jpg gran esplendor, pero aunque alcance mayor independencia , seguirá estando integrada en la arquitectura. La portada es el principal soporte de la escultura monumental: el tímpano se divide en frecuentes ocasiones en franjas horizontales. El Pantocrátor ya no es el tema principal. Se aprecian otros temas: la Crucifixión, el Juicio Final, la vida de la Virgen -que adquiere una gran difusión en este momento- o de los Santos. En las arquivoltas, Las figuras se disponen siguiendo la dirección de éstas y no de manera radial. Temas: Coros de ángeles o los ancianos del Apocalipsis. En el parteluz aparecen figuras de Cristo –como maestro o doctor-, la Virgen, algún santo, obispos, etc… En las jambas las figuras están más comunicadas y se suelen colocar sobre una especie de basamento y coronadas por una moldura arquitectónica (doselete).
Una novedad serán los sepulcros, las sillerías de coro y los retablos. Los
Sepulcros marcan el desarrollo de la escultura funeraria dedicada a evocar la memoria de un personaje importante, reflejando la mentalidad de los hombres del momento ante la muerte así como su condición social. En los templos muchas capillas se convierten durante este momento en panteones familiares o gremiales: Tipos:
a) Lauda sepulcral (piedra o losa que se pone sobre un sepulcro normalmente con una inscripción o escudo).
b) Sepulcros (monumentos funerarios que están por lo general levantados del suelo).
-Tipos: adosados lateralmente a un muro, bajo un arco; exentos, etc.
-Forma de disponer las figuras: Yacentes, recostadas leyendo, orantes, etc. Vestidos según su condición social.
-Símbolos: Los más frecuentes son: el león, símbolo de la fuerza y la resurrección y el perro alusivo a la fidelidad (cuando aparecen dos esposos alude a la fidelidad matrimonial.
-Temas. Las escenas evangélicas referentes a la redención del di
external image 01b.-Portadas%20rom%C3%A1nica%20y%20g%C3%B3tica%20comparadas.jpgfunto, representaciones del alma del difunto que es transportada al cielo, las plañideras, etc.
Sillerías de los coros están ligadas a la importancia que adquieren los coros en las iglesias góticas españolas. Se hicieron en relieve y utilizando como material la madera.
Retablos. Los retablos tienen su origen en esta época aunque tuvieron su apogeo durante el Renacimiento. El término proviene del latín “retaulus”: “re” detrás; “tabula” tabla. Se trata de un armazón hecho de madera –muchas veces policromada-, piedra (alabastro), metal, etc., que sirve para colocar esculturas - o también pinturas-, y que se ubica en las cabeceras de los templos, al lado del altar mayor.
En los retablos se suelen distinguir varios elementos: 1) La parte inferior llamada banco o pedrela, que hace la función de pedestal sobre el que se asienta el retablo. 2) El cuerpo del retablo propiamente dicho, que divide en franjas horizontales (“cuerpos”) y franjas verticales (“calles”), que se cruzan formando recuadros. 3) El ático que está en la parte superior de la calle central.

En cuanto a la iconografía aparecen nuevos temas: continua la representación del Juicio Final, pero ahora la escena se humaniza con la presencia de la virgen y San Juan (Déesis); en los registros inferiores aparece la resurrección de los muertos, el infierno, los castigos de los condenados. Las escenas de la vida de jesús (infancia y vída pública). Portadas dedicadas a la Virgen (Anunciación, Desposorios, Asunción, Coronación de la Virgen). Escenas del Nuevo Testamento y en particular de los Evangelios. Vida de los Santos (gracias a la publica
ción de la Leyenda Aurea del Obispo de Génova Jacopo della Vorágine).
Desde el punto de vista formal se caracteriza por su naturalismo y humanización, que a veces tiende al realismo (retrato).

Evolución y escuelas.
La escultura gótica experimenta una palpable evolución a lo largo de los tres siglos que dura este estilo. En el siglo XIII se alcanza un periodo clásico, caracterizado por un naturalismo idealizado y sereno. En el siglo XIV, adquieren cada vez más relevancia las imágenes de Vírgenes con Niño, que se curvan graciosamente, así como los sepulcros. Durante el siglo XV la escultura es muy realista, los rostros son auténticos retratos; hay un gusto por lo patético; proliferan los retablos de composiciones abigarradas y movidas. Las principales escuelas escultóricas son:
Francia: es la cuna del gótico e irradia su influencia a otros países. La primera manifestación es el Pórtico Real de Chartres, en 1150, con alargadas y esbeltas estatuas-columnas en las jambas. La portada occidental de Nôtre Dame de París, dedicada a Santa Ana, funde en el tímpano escenas narrativas de la vida de la Virgen.
En el siglo XIII son importantes los talleres de Chartres, Reims y Amiens.
Las portadas de la catedral de Chartres sirven de modelo a otras catedrales europeas. En la del transepto norte se representa la coronación, muerte y asunción de la Virgen y en la del transepto sur, el Juicio Final. En la portada principal de la catedral de Reims trabajan varios maestros. En la jamba derecha, el escultor de la Visitación muestra influencia clásica; al lado, la Anunciación, con un ángel sonriente, y una tímida Virgen cuya forma del cuerpo se hace patente a pesar de sus abundantes ropajes. Son esculturas de bulto redondo, ya independientes del marco arquitectónico. Las esculturas de las portadas de la catedral de Amiens son de gran belleza. En el parteluz de la portada principal está el Beau- Dieu ("hermoso Dios"), imagen de Cristo bendiciendo.
En el siglo XIV proliferan imágenes exentas de "Vírgenes Bellas", talladas en marfil o piedra policromada. El centro escultórico más importante es Borgoña, donde trabaja Claus Sluter. Para la cartuja de Champmol, en Dijon, realiza el famosoPozo de Moisés, basamento de un inacabado calvario, con monumentales profetas de acusado realismo en rostros y paños de pliegues angulosos para conseguir volumen. Su mejor obra es el sepulcro de Felipe el Atrevido, con monjes dolientes encapuchados.
Alemania: esta escuela escultórica se inicia con influencia francesa pero evoluciona hacia un estilo original y de gran expresividad, como los retratos del conde Ekkhard y su esposa Uta, en la catedral de Naumburgo. La mejor escultura gótica alemana es el famoso Caballero de la catedral de Bamberg, sereno y digno, del siglo XIII. Se tallan muchas Vírgenes con el Niño, bellas y delicadas; en el siglo XV se esculpen dramáticas Piedades (Virgen dolorosa con Cristo muerto en brazos).
Italia: este país se muestra refractario al estilo gótico debido a que pervive la cultura clásica. En Pisa trabaja la familia de los Pisano. Nicola Pisano talla en mármol el púlpito del baptisterio de la catedral de Pisa, de forma hexagonal, sobre columnas apoyadas en leones; sus relieves con escenas de la vida de Cristo son de gran clasicismo, por influencia de los sarcófagos romanos. Es un precursor del Renacimiento. Su hijo Giovanni Pisano realiza el púlpito de la catedral de Pisa. En el siglo XIV, Andrea Pisano ejecuta en bronce la puerta sur del baptisterio de la catedral de Florencia, con escenas en medallones cuadrilobulados.
La escultura gótica española.
En el siglo XIII se mezclan la tradición románica del Maestro Mateo con la influencia naturalista francesa. Los principales focos de escultura están en Castilla.
Artistas franceses llegan para trabajar en los talleres de las catedrales de Burgos, León y Toledo. En la catedral de Burgos se hace la portada del Sarmental, se debe a otro maestro francés la Virgen Blanca del parteluz de la portada principal de la catedral de León, con mucha elegancia y naturalidad.
En el siglo XIV, el foco castellano decae a causa de la Peste Negra. En escultura exenta destaca la Virgen Blanca de la catedral de Toledo, labrada en alabastro policromado. A fines del siglo XIV, Johan de Lome esculpe el sepulcro de Carlos el Noble y su esposa, de la catedral de Pamplona, con figuras encapuchadas en las que se aprecia la influencia borgoñona de Sluter. Durante el siglo XV la escultura española alcanza su mayor esplendor. Los principales focos son: Cataluña: el escultor Pere Johan, relacionado con los talleres italianos, hace el San Jorge en el Palacio de la Generalitat y el retablo mayor de la catedral de Tarragona, en alabastro.
Castilla:
El principal escultor es Gil de Siloé, autor del retablo de la cartuja de Miraflores (Burgos), en madera policromada, de gran exuberancia ornamental y original traza, con escenas en círculos en torno a una Crucifixión central. En la misma Cartuja esculpe en alabastro los sepulcros de Juan II e Isabel de Portugal, de forma estrellada y el del infante don Alfonso, adosado, con extraordinario virtuosismo. De autor desconocido es el sepulcro de don Martín Vázquez de Arce, el llamado Doncel de Sigüenza, que retrata al joven melancólico.


PINTURA GÓTICA

La progresiva disminución de los muros en la arquitectura gótica provocará la consiguiente disminución de la pintura mural. Donde antes había frescos ahora se colocarán grandes cristaleras policromadas. Así, la pintura ha de buscar otros soportes (la madera) dando lugar a un crecimiento de la pintura sobre tabla. También cambiará la técnica, predominando el temple (pigmento de colores, y huevo). Tiene como ventajas:
1.- Empleo de pinceles muy finos, lo que permite definir bien las formas y plasmar minuciosos detalles.
2.- Los colores resultantes, al utilizar huevo, son más brillantes y lentos de secar, lo que facilita los modelados.
En ocasiones (a partir del siglo XV) se utilizará el óleo (pigmento y aceite de lino o de nueces), que seca más despacio pero que permite un trabajo sosegado, que puede interrumpirse siempre que se quiera y que permite el repinte, la corrección. Estas tablas, al desaparecer los muros, se concentran en los altares conformando los retablos, que se convierten en el lugar más utilizado para dar cabida a la pintura.
La temática seguirá siendo fundamentalmente religiosa, aunque los ejemplos profanos irán ganando terreno. Se repiten los temas mencionados en la escultura. Serán pinturas expresivas y naturalistas: transmiten sentimientos y sensaciones. Irán sustituyendo los fondos neutros por espacios reales, paisajísticos fundamentalmente. Fondos reales necesarios para evocar un entorno de naturalidad y verosimilitud. Esta sensación de espacio real se obtendrá por dos vías que se desarrollan paralelas en la Historia de la Pintura: la búsqueda de la perspectiva y el claroscuro.
En algunas ocasiones se mantienen los fondos lisos dorados (con “panes de oro”), que junto a la estilización y sinuosidad de las figuras provoca un ambiente de espiritualidad
En cuanto a la perspectiva, se realizarán experimentos para romper el planismo pictórico del Románico y recuperar la perspectiva:
1.- La perspectiva caballera (a vista de pájaro): se representan las figuras por filas (pintura gótica internacional). Consiste en la representación de la escena como si el pintor se hallase situado en un punto de vista elevado (como el de una persona que va a caballo), de modo que los objetos supuestamente más próximos al espectador se disponen en la parte inferior del cuadro, como “en primer término”, y sobre ellos se superponen en vertical los restantes, a medida que se les supone más alejados, escalando el cuadro hasta las partes más altas, donde corresponde dibujar la línea del horizonte. Esta perspectiva se utiliza sobre todo en la pintura gótica del periodo internacional.
2.- Con varios puntos de fuga (pintura italiana desde fines del XIII). Se representa no solo el tema central, sino también lo accesorio, como animales, vegetales, cerámica; y al igual que la escultura, tiene carácter narrativo. El carácter cromático, naturalista y narrativo de la pintura gótica encuentran su explicación en una época preocupada por el mundo y el hombre, no solo por la religión.
En cualquier caso, hay que tener en cuenta que estas características generales tendrán una distinta evolución según la cronología y las zonas. Nosotros vamos a detenernos en analizar las dos escuelas más destacadas del Gótico: los Primitivos Italianos (primera mitad del siglo XIV) y los Primitivos Flamencos (siglo XV).n relieve y utilizando como material la madera.

GÓTICO LINEAL (SIGLO XIII)
GÓTICO ITALIANO (TRECENTO)
GÓTICO INTERNACIONAL (XV)
Soporte/
Técnica

Libros miniados: temple predominantemente.
Escasa pintura en tabla o mural
Muro: al fresco (muy abundante en Italia).
Tabla: temple (Menos presencia de la pintura miniada)
Tabla: temple.
Miniaturas: temple
Temas
Religiosos predominantemente
Religiosos preferentemente. Algún profano
Religiosos y profanos variados.
Carac. formales
Predominio del dibujo frente al color.
Proporciones irreales en las figuras y frecuentes cambios de “escala”.
Rostros y vestimentas genéricos, no individuales.
Formas enmarcadas en arquerías o edificios sin fondo
Predominio del dibujo frente al color.
Rostros más singulares, aunque aún genéricos.
Formas más delicadas con mayor naturalismo y humanización
Estilización: cuerpos alargados y flexibles.
El dibujo queda en parte anulado por el color.
Cuidan mucho los detalles.
Color
Distribución plana Muy escaso claroscuro (apenas provocan sensación de volumen).
Generalmente plano, pero hay principios de claroscuro.
Plano, con escaso claroscuro.
Sólo decorativo: no buscan las gamas
Luz
Aparece como natural ambiente.
No hay sombras propias (claroscuro) ni sombras reflejadas
Aparece como natural ambiente y multifocal.
Escaso sombreado (claroscuro) y sin sombras reflejadas
Aparece como natural ambiente, sin apenas sombras proyectadas.
La fuente de luz no tiene relación con la iluminación del objeto (Huida, Resurr.)
El sol (a veces) lanza rayos como líneas direccionales.
Repres. de volumen
Escasa sensación de volumen por:
- falta de modelado.
- predominio del dibujo frente al color.
- visión frontal o en perfil, no escorzada
Escasa sensación de volumen.
Los intentos se realizan por:
- principios de claroscuro.
- corporeidad de las formas por el escorzo.
Escaso por:
- color plano y gamas no buscadas.
- falta de claroscuro y sombreado.
Los intentos se consiguen por:
- presentación en escorzo.
-formas de las vestimentas más naturales.
Repr. profundidad
Escasa sensación de profundidad por:
- fondos neutros o geométricos.
- yuxtaposición (no superposición) de las formas.
- falta de perspectiva lineal y aérea.
- presentación de registros independientes en vez de las distancias.
Fondos paisajísticos (aunque irreales) y arquitectónicos.
Hay total ausencia de perspectiva lineal y aérea.
- Algunas figuras son yuxtapuestas y las superpuestas se “apelotonan”.
- Las figuras no se “alejan” progresivamente
Cierta profundidad por paisajes y fondos arquitectónicos cuidados.
Profundidad incorrecta por:
- escalonamiento de planos.
- falta de perspectiva lineal y aérea (detalles).
- cambios de escala en las formas
Repres. movimiento
Posturas de rigidez y envaramiento.
El poco movimiento suele ser artificial e irreal: no corresponde con la anatomía de las personas.
Intenta ser más natural que antes.
Los gestos y las posturas son más verdaderos, más eurítmicos.
Aún irreales.
Algo más posibles que antes.
Composición
Escenas con cierta dispersión: falta unidad.
Predominio de la simetría con un eje central frecuente.
Isocefalia: cabezas a la misma altura.
Concepción simbólica.
La composición es más unitaria: hay menos dispersión.
Isocefalia: altura uniforme de los personajes.
Concepción simbólica.
Simbólica en las representaciones religiosas.
La línea del horizonte está muy alta y provoca la sensación de punto de vista elevado e inclinado hacia la escena.
Otros aspectos

Es sintomática la abundancia de pintura mural en Italia donde siguen prefiriendo el muro como elemento sustentante y el cerramiento arquitrabado en los edificios
Entusiasmo por la vida.
Valoración de la belleza en los vestidos y objetos.
Interés por lo exótico y refinado.


EVOLUCIÓN DE LA PINTURA GÓTICA
Soporte/Técnica
La pintura al temple sobre libro o sobre tabla
Pintura al fresco sobre todo en Italia
Temas representados
Predominantemente religiosos pero van apareciendo poco a poco temas profanos.
Características formales
El predominio del dibujo sobre el color es constante.
Inicialmente las proporciones son irreales y son frecuentes los cambios de escala aunque se van mejorando hacia el final del gótico.
Los rostros y las vestimentas son genéricos si bien se individualizan algo hacia el final de este periodo humanizándose y son más naturalistas.
En el gótico internacional se cuidan mucho los detalles y éstos son muy abundantes.
Color
Se presenta de forma plana con poco claroscuro salvo en Italia donde va ganando en volumen.
Luz
Suele ser luz natural ambiente sin sombras tanto reflejadas como propias y cuando hay algo de claroscuro tiene una procedencia multifocal .
En la fase final. El gótico internacional, aparecen líneas direccionales para indicar la procedencia solar de la luz a modo de dibujo infantil.
Representación. del volumen
En general las figuras dan poca sensación de volumen por la falta de modelado, el predominio del dibujo frente al color y la presentación frontal o de perfil sin apenas escorzo.
Hacia el final mejora la sensación del volumen de las formas por el avance de cierto claroscuro y la existencia de algún suave movimiento de las figuras.
Representación de la profundidad
En las primeras fases los cuadros ofrecen escasa sensación de profundidad o se hace de manera incorrecta porque los fondos son neutros, planos o geométricos, las figuras se yuxtaponen y se presentan en registros, no es diferentes distancias y aún se desconoce la perspectiva lineal y aérea.
Cuando hay figuras superpuestas se suelen “apelotonar” y no respetan el espacio requerido por cada figura.
A partir del gótico internacional la profundidad del cuadro está mejora trabajada al aparecer paisajes y fondos arquitectónicos muy cuidados, así como por el escalonamiento de los planos aunque aún se ven cambios de escala en las figuras. Se observa también la aparición de una tímida perspectiva aérea o atmosférica.
Representación del movimiento
En el gótico lineal francés las posturas de las figuras son envaradas y tienen cierta rigidez que no corresponde con la anatomía de las personas. Sin embargo van ganando en soltura y son progresivamente más eurítmicas
Composición
En general las escenas representadas son bastante dispersas y predomina la división vertical con un eje central simétrico que eleva el simbolismo del personaje principal. La isocefalia muestra que las personas tienen la misma estatura.
En el gótico internacional la línea del horizonte está en la parte superior del cuadro produciendo la sensación de una superficie pictórica inclinada.
Otros aspectos
Es significativa en Italia la abundancia de pintura mural del trecento pues en esta zona el edificio se sustenta sobre muros y no sobre pilares por lo que hay superficie que se pueden cubrir con pinturas mientras que en el resto de Europa se sustituye por vidrieras y pintura en retablos.
En el gótico internacional se observa un fuerte gusto por la vida y la valoración de la belleza en los vestidos y los objetos a la vez que el gusto por lo exótico y refinado.

LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS

En el siglo XV en Flandes, hay un gran desarrollo artístico. Destaca Jan Van Eyck, que investigó la técnica del óleo que permitía una pintura más minuciosa y detallista, además de permitir retoques. Esto se debe a que tarda más en secar y permite pintar más despacio, aunque para corregir haya que dejar secar, lo que hace que la obra tarde más tiempo en su ejecución.. Entre sus obras destaca “El matrimonio Arnolfini” y “El Cordero Místico” de San bavón en Flandes; otro autor importante será Roger Van der Weiden con su obra “El descendimiento”.
Estos pintores rescatan la perspectiva, creando la sensación de profundidad en sus cuadros, haciendo una pintura realista, naturalista, copiando los modelos del natural y colocando paisaje como fondo de sus obras. Sus temas son variados, predominando los de índole religiosa, pero apareciendo también temas profanos, en especial los retratos.
Dentro de estos pintores nos encontramos con el Bosco, que anticipa el surrealismo, satirizando el mundo de su época (“El Jardín de las Delicias”), con una intención moralizante mostrando los pecados de los seres humanos y sus consecuencias.