ARTE+GRIEGO

= = =media type="custom" key="6337715"= = = = = = = = = = = = = = = =**INTRODUCCIÓN**= La importancia de la cultura griega es enorme, dificilmente comprensible en un mundo en donde el ser humano no era absolutamente nada. Es la base de la cultura europea y occidental. Pensamos como ellos (filosofía), nos organizamos como ellos (democracia), construimos y esculpimos como ellos. Pero la cultura griega no es autóctona, es el resultado de la integración de diversos factores: Los imperios persa y egipcio, debido a su cultura milenaria, su influencia en la cultura griega es enrome.Junto a todo esto hay que añadir que:
 * Los dorios aportan el estilo geométrico de la edad del hierro.
 * Los aqueos transmiten el legado prehelénico, el gusto por la belleza como algo ideal, el amor a la naturaleza, a la luz mediterránea, el concepto de proporción y armonía.

=**CARACTERÍSTICAS**=
 * Se humaniza la religión
 * Se toma como principio la sujeción al orden de la ley
 * Las ciudades estado están unidas por la misma cultura
 * El arte es esteticista, realista y humano
 * El pensamiento procura un análisis racional y
 * La filosofía sienta las bases para una compresión del orden natural.
 * La creación del arte va unido a la vida de la polis, a la religión, al ideal de belleza del ser humano según el pensamiento griego.
 * Este pensamiento surge en aquellas ciudades que "democratizan" su vida diaria, al elevar su condición a la de ciudadanos (ejemplo será Atenas) y participar en la defensa de la ciudad, al luchar hombro con hombro como simples hóplitas y al ser remeros de las trirremes y sentirse orgullosos de luchar por su propia libertad y su propio destino.
 * En su forma, lo real se transforma y alcanza una belleza permanente, superando lo pasajero.
 * En cada una de las obras de arte se intenta conseguir la belleza como sentido de la medida, de la proporción y de la armonía.

=**LA ARQUITECTURA GRIEGA**= En Grecia, desaparece el colosalismo oriental y todo se orienta hacia la medida del ser humano. Su clave está en la perfección técnica, predominando el trabajo en equipo Los griegos construyeron una gran variedad de edificios públicos. El templo era quizá el más importante. Se consideraba el recinto sagrado destinado a guardar la imagen del Dios, no el lugar de reunión de los creyentes, como los templos cristianos. Por el contrario, las ceremonias y sacrificios se celebraban en el exterior. No solían ser, por tanto, muy grandes. Pero a partir del s. VI, la madera fue sustituida por otros materiales más resistentes como la piedra o el mármol. Las proporciones de estos edificios son tan exactas que con unos pocos restos de sus muros (sillares) y de columnas (tambores) puede reconstruirse casi matemáticamente el templo. Para evitar la sensación de monotonía en el observador y corregir los defectos ópticos se curvaban las líneas horizontales y se espaciaban irregularmente las columnas. El templo griego iba construido sobre una plataforma con gradas. Se cubría con un tejado a dos aguas.La fachada principal se caracteriza por la fila de columnas, el entablamento decorado con relieves y rematando la fachada, el frontón triangular, cuyo interior llamado tímpano también solía decorarse con obra escultórica. Por otro lado se trata de un arte policromado media type="custom" key="6335515" align="left"media type="custom" key="6335521" align="right"
 * LOS TEMPLOS GRIEGOS**

media type="custom" key="6335529" align="left"media type="custom" key="6335531" align="right"







=**OTROS EDIFICIOS**=

media type="custom" key="6335553" =**ESCULTURA GRIEGA**= **media type="custom" key="6335581" align="left"CARACTERÍSTICAS GENERALES**: 1. Frente al arte religioso y tradicional de Mesopotamia y Egipto (influencias orientales), la escultura griega se presenta como humanista, al principio el tema es el hombre, pero hay una clara evolución desde el esquematismo hacia el naturalismo. 2. El tema predominante es la figura humana, y predominan sobre todo los desnudos, siendo secundaria la animalística. 3. Los materiales utilizados son el mármol, la piedra y el bronce. Se utilizan en menor medida el marfil y el oro, o la combinación de éstos: crisoelefantino. 4. La mayoría de las obras de los maestros griegos se conocen por copias realizadas por los romanos. 5. Hay una profunda evolución de la escultura griega a lo lardo de las etapas de dicha escultura, es decir, aunque en sus inicios (época arcaica) hay una clara influencia de Mesopotamia y Egipto, llegó a crear modelos originales que se distanciaron claramente de sus primeras obras escultóricas. Características como la expresión, el movimiento, el volumen, etc., fueron consiguiéndose poco a poco. En la época arcaica final, la búsqueda principal fue la conquista de la representación del cuerpo humano; en la clásica, realismo e idealismo se combinan en igual medida; en el helenismo, el realismo se impuso al idealismo. Durante este periodo hay una evolución en varios aspectos: mayor movimiento, mayor estudio anatómico y de los ropajes, idealización y equilibrio. Los **frontones**: Aunque en un principio fueron decorados con pinturas, muy pronto se impuso la decoración con relieves. Estos espacios triangulares plantean dificultades técnicas, pues los espacios para localizar las figuras con desiguales. La primera solución técnica la aporta el templo de Medusa en la isla de Korfú (época arcaica). Aquí el problema se resolvió con la utilización de figuras a diferentes escalas, pero no triunfó. Fue en los frontones de Atenea Afaia en la isla de Egina, y en el de Zeus en Olimpia cuando los escultores adoptaron una solución más realista: no se utiliza distinta escala, sino que las posturas y el movimiento se adaptan a los diferentes espacios. En este periodo la escultura alcanza la máxima perfección en la representación de la figura humana. Hay un intento de representar la realidad (realismo idealizado). La escultura refleja un mundo de seres perfectos que difícilmente podemos encontrar en la realidad. Los autores del s. V captan la belleza ideal, basada en la proporción y la armonía. Se da un estudio más detallado de anatomía, cabello, etc. Posturas más naturales, e incluso asombrosas, con separación de los brazos y las piernas, que intentan captar la energía y el movimiento. Los rostros manifiestan estados de serenidad y equilibrio. En el siglo IV los escultores dan mayor importancia a la expresión de los sentimientos en los rostros, y mayor movimiento. • **Mirón** se intereso por el estudio humano en movimiento; su principal obra es el Discóbolo. El discóbolo consigue la captación de movimiento en el momento preciso en el que el atleta se dispone a lanzar el disco con el cuerpo inclinado hacia delante y apoyado sobre el pie derecho al mismo tiempo que gira la cintura. Asombró a sus contemporáneos por lo atrevido de su postura, un cuerpo en el límite del equilibrio. La anatomía está tratada con un naturalismo acusado, pero el rostro es inexpresivo (no muestra el esfuerzo que la acción supone), y la cabellera sigue siendo arcaica (pelo corto y pegado). • **Policleto** se preocupo sobre todo por conseguir la imagen del hombre ideal plasmada en las armoniosas proporciones del cuerpo humano desnudo. Instauró el canon de 7 cabezas en el que la proporción del cuerpo debía contener 7 veces la de la cabeza. Entre sus otras destacan el Doríforo o joven portador de lanza, y el Diadúmeno o atleta atándose a la cabeza la cinta de la victoria. • **Fidias**. La obra de Fidias supone la culminación del ideal clásico. Es el autor de la obra escultórica del Partenón, de sus relieves localizados en frontones, en metopas y en los frisos. Además tiene una serie de esculturas dedicadas a Atenea y Zeus, hoy desaparecidas y que se conocen por referencias o copias. Su obra representó un gran avance, ya que resolvió la manera de decorar los vértices bajos de los frontones. En ellos hizo girar los cuerpos de tal manera que el movimiento fuera observable desde diferentes puntos de vista. Pero fue en el tratamiento de los ropajes donde el autor consiguió un naturalismo pleno, con abundantes y sinuosos pliegues de las telas, que se pegan al cuerpo, como paños mojados, y que permiten al artista hacer un pequeño estudio de la anatomía.
 * Época arcaica (XVII y VI a. C.)**: Las primeras esculturas que e realizaron fueron las Xoana, que recuerdan al tronco de un árbol, con un ligero estrechamiento en la cintura (sólo se conocen por textos literarios). Los principales temas son los Kouros y las Kores.
 * Kouros**: son representaciones de atletas desnudos y tienen convencionalismos típicos del arte antiguo: frontalidad; simetría; hieratismo (rigidez en las articulaciones), por lo que no hay sensación de movimiento; pies sólidamente apoyados en el suelo, el izquierdo se adelanta, pero el cuerpo se apoya en los dos; escaso estudio de la anatomía; inexpresividad en los rostros, ojos abultados y almendrados, grades pómulos, barbilla y mentón muy marcados, sonrisa arcaica; cabellos con disposición geométrica. En el largo periodo de tiempo en que se realizaron, desde la segunda mitad del s. VII hasta el s. V sufrieron una evolución importante. Los convencionalismos son muy fuertes al principio, desapareciendo casi prácticamente al final en una clara conquista del realismo. Como ejemplos de esta etapa destacamos numerosos Kouroi, como el de Anavisos, El Kouros de Melos, etc. Otras obras a destacar son el Moscóforo (precedente de la figura del buen pastor en la iconografía paleocristiana) y también el Apolo de Piombino, de bronce.
 * Kores**: Son imágenes de sacerdotisas, y es por esto que van vestidas. Se han encontrado imágenes de éstas en diferentes tamaños, la mayoría proceden de la Acrópolis. Al igual que los Kouroi, eran figuras policromadas y tienen los mismos convencionalismos que las esculturas masculinas. Experimentaron también una evolución en el sentido de mayor realismo centrado en cabellos y ropaje. Los cabellos son largos formando tirabuzones. En un principio se parten en dos separándose hacia delante, después se desplazan hacia atrás, y finalmente se recogen en la nuca con un moño (al igual que en los Kouroi). Al principio, vestían el pelo dórico (túnica suelta pero ajustada a la cintura) posteriormente la túnica y el chitón jónico. Se realizaron en distintas escuelas: Ática, Jónica y Peloponésica.
 * Escultura de transición a la época clásica. Periodo severo (560 al 470 a. C.)**:
 * Época clásica (IV y V a. C.)**:

**media type="custom" key="6335569" align="left"La idealización, serenidad y equilibrio típicos del s. V a. C. dieron paso en el siglo IV a la búsqueda de nuevos valores** (éste siglo muestra una transición hacia el helenismo). Podemos señalar una mayor humanización de los personajes, incluso cuando se trata de Dioses. Esto afectará tanto al tratamiento de los personajes como a los temas. El idealismo sigue siendo importante en algunos escultores, pero en muchos hay un reforzamiento del realismo. Hay interés por captar los sentimientos y estados de ánimo. También hay un mayor movimiento. Aparece un mejor tratamiento del cabello, cada vez más rizado y voluminoso, dando una sensación de claroscuro. Esto es resultado de la utilización del trépano. La escultura de este periodo, a pesar de estar repartida en distintas escuelas presenta, en mayor o menor medida, una serie de características comunes: - Hay un mayor naturalismo. El realismo se impone al idealismo. - Temas más variados, desde los más dignos (figuras de dioses) a escenas de la vida cotidiana o anecdóticas (como “El niño de la espina” o “El niño de la oca”), o incluso temas fantásticos (“Sátiro/Fauno Barberini”). - Hay una acentuación de movimientos, observable en posturas, gestos y rostros. Predominan curvas y contracurvas. En ocasiones, es un movimiento que puede llevar a la inestabilidad. - También se acentúa la expresividad. Los sentimientos de las figuras se exteriorizan, pudiendo llegar incluso al dramatismo. - Sigue realizándose un estudio de la anatomía y existiendo importantes desnudos, pero durante este periodo, en algunas obras, la musculatura adquiere un mayor volumen, músculos hinchados. - También se acentúa el mejor tratamiento en la calidad de los ropajes, cabellos (éstos se hacen más largos con un gran predominio del claroscuro). Las superficies también tienen ricas calidades, muy pulidas. - Se desarrolló durante este periodo el retrato realista. Las obras no se detienen en su representación ante la vejez, lo desagradable o la fealdad. En este último aspecto destacaremos la escuela de Alejandría, en obras como “La vieja ebria” o “La enana danzarina”.
 * Praxíteles**: Es el creador de l prototipo de belleza femenina en sus Afroditas, como la Afrodita de Arlés y la Afrodita de Cnido. Hasta este momento no se había realizado desnudos femeninos. Es a partir del s. IV cuando aparece una visión sensual del cuerpo femenino. La musculatura en este autor presenta una tendencia hacia las líneas curvas redondeadas incluso cuando se trata de figuras masculinas. Otro aspecto característico es lo denominado como curva praxiteliana, que surge por la posición de los cuerpos y que se repite en sus obras, se arquean ligeramente apoyados en algo para formar dicha curva. Sus personajes representan una expresión característica apreciable en gestos y rostros. Es melancólica, ensoñadora, como de dejadez o indolencia. Sus principales obras, además de las Afroditas, son: Hermes con Dionisos niño (Hermes de Olimpia), Apolo Sauróctonos (en esta aparece el dios de la luz matando a una lagartija. Aparece Apolo tratado sin ninguna solemnidad: humanización de los dioses, y su cuerpo aparece modelado con suma delicadeza, anatomía de formas redondeadas similares a las de un adolescente.)
 * Scopas**: Su obra más importante es la Ménade. El autor se interesó sobre todo por revelar los estados de ánimo, aunque también dio mucha importancia al movimiento, llevado incluso a sus últimos extremos, llega incluso a la convulsión. Ésta representa una sacerdotisa dedicada al culto del dios Dionisos, que se encuentra en plena danza ritual. Su movimiento y gestos muestran la alteración del momento. En esta obra el realismo se impone claramente al idealismo. Su postura es muy brusca. La sacerdotisa se inclina hacia atrás, con el cuello violentamente doblado. Cabellera y vestidos acompañan la postura del cuerpo. La expresividad es muy fuerte, típica de una persona que está fuera de sí. La túnica es muy corta y ceñida a la cintura, para resaltar el tratamiento anatómico. Toda la anatomía está en función del movimiento brusco que realiza.
 * Lisipo**: Su obra más importante es el Apoxiomenos. En él repitió el tema del atleta en el momento de transición del movimiento a la quietud. Modificó el canon adoptado por Policleto, y alargó a 7,5 cabezas el módulo de la altura total. Otras obras de Lisipo a destacar son el Ares calzándose y el Ares Ludovisi.
 * Época Helenística. S. IV al II a. C.**: Esta etapa tiene su origen en las conquistas de Alejandro Magno, que unifica primero toda Grecia y más tarde extiende sus conquistas por territorios orientales. Por ello, los griegos extendieron así su civilización y su arte. El arte helenístico se considera el resultado de la fusión de elementos griegos y de elementos orientales; este arte se desarrolló en diferentes escuelas, como Alejandría, Rodas, Pérgamo, etc. Durante este periodo la escultura busca nuevos valores expresivos. El concepto de armonía y belleza ideal es sustituido por otros valores, no obstante, el recuerdo de los ideales clásicos se conserva en algunas obras, como por ejemplo en la Venus de Milo, del s. II a. C. Esta figura no se adaptaría a lo que es el helenismo.
 * Destacaremos por escuelas**:
 * La escuela de Pérgamo**. En ella destacaremos dos obras: “El galo suicidándose” y “El galo moribundo”. En estas obras se relata la victoria de los habitantes de Pérgamo contra los Gálatas invasores. Destacan estas obras por su gran dramatismo.También la obra en relieve del altar de Zeus en Pérgamo que relata la lucha entre dioses y gigantes (gigantomaquia). En ella cabe destacar el gran movimiento, la tensión muscular y el gran dramatismo de las escenas.
 * La escuela de Rodas**. En ella aparecen obras como “El toro Farnesio”, grupo escultórico que destaca por la composición piramidal. “La victoria de Samotracia” que representa una victoria alada. Es una figura que formaría parte de una gran obra y estaría en la proa de un barco, por eso sus ropas aparecen azotadas por el viento y pegadas al cuerpo; es una figura de gran barroquismo. Y por último: el grupo escultórico del “Laocoonte y sus hijos”, realizada por Hagesandro, Atenodoro y Polidoro, que desarrolla un tema mitológico: Laocoonte, sacerdote de Apolo, es devorado, junto con sus hijos, por serpientes marinas enviadas por Poseidón para que éste no revelase el secreto del caballo de Troya.

Pero todas estas esculturas, ya sabéis que eran polícromas, [|PICAR AQUÍ] para verlo

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