EL RENACIMIENTO


Con el término Renacimiento se designa a un amplio movimiento cultural y artístico que surge en Europa a finales del siglo XV y se desarrolla en los primeros años del XVI, que supone una valoración de la antigüedad clásica, al tiempo que sirve de marco al inicio de la Edad Moderna.
CARACTERISTICAS DEL ARTE DEL RENACIMIENTO

· La visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval.
· La exaltación de la naturaleza. Esto se manifiesta de las siguientes formas: construcción de villas en el campo y la creación de jardines, los grandes descubrimientos geográficos...
· La valoración de la Antigüedad, pero no se trata de imitar sino de superar, esto lleva a la búsqueda de un naturalismo idealizado, la aparición de la temática mitológica y un amor a la belleza como producto de la filosofía neoplatónica.
· Sometimiento del arte a las leyes matemáticas. Proporción, belleza y armonía, a través de esto se consigue la belleza con la correcta proporción matemática de las figuras, lo que conduce al equilibrio y la armonía. El sistema de perspectiva fue inventado en Florencia en el XV por Brunelleschi, era una perspectiva muy teórica (lineal) donde las figuras del fondo aparecían con perfecta nitidez; Leonardo da Vinci aportó la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto.
EL RENACIMIENTO ITALIANO
Son muchas las causas que explican la aparición del Renacimiento en Italia: el desarrollo de las ciudades-estado que competían en manifestaciones artísticas y que permite el ascenso social de la burguesía y el despegue del capitalismo, mecenas de los artistas; la caída de Bizancio (1453) llevó a Italia y en particular a Florencia muchos sabios portadores del bagaje cultural clásico.
Florencia se convertirá en el "laboratorio" donde los artistas van a realizar investigaciones en arquitectura, pintura y escultura.
ARQUITECTURA
Modelo. Nace de la admiración de las ruinas romanas y de la obra del tratadista romano Vitrubio, "Tratado de Arquitectura". Brunelleschi construyó sus
edificios con elementos arquitectónicos clásicos: arcos de medio punto, bóvedas de cañón, columnas y pilastras, frontones... construye la primera gran obra del Renacimiento, la cúpula de la catedral de Florencia, inspirada en la del Panteón de Roma, destacan la Iglesia de San Lorenzo y la Capilla Pazzi. Fijó el modelo de palacio renacentista con almohadillado, como hacían los antiguos romanos en el Palazzo Rucellai. Alberti encarna al artista científico y erudito, escribió tratados de arquitectura (De re Aedificatoria), escultura y pintura. Sus iglesias son la práxis de su obra teórica, las llama templos con un deseo de unificar lo clásico y cristiano, sirven de ejemplo el Templo Malatestiano de Rímini, panteón para la familia Malatesta, del que destaca la portada a modo de arco del triunfo y la Iglesia de Sant’ Andrea en Mantua.
ESCULTURA
Modelo. Tiene como modelo la escultura clásica. Ghiberti introduce la escultura naturalista en Florencia al labrar las puertas del Baptisterio de Florencia, (
Sacrificio de Isaac, Bodas de Salomón y la Reina de Saba, la Historia de José...) en ellas empleó la técnica del schiachiatto consistente en la multiplicación de los planos de profundidad (las figuras de primer plano tienen más bulto que las del fondo) esto permite representar la perspectiva, a lo cual contribuye el paisaje de fondo.
Donatello el más grande escultor cuatrocentista, utiliza el sistema de proporciones de la antigüedad y el schiacciatto. Su David (primer desnudo del Renacimiento) o el San Jorge manifiestan el naturalismo idealizado. Su escultura ecuestre es el Gattamelata modelo a imitar después, a su vez inspirada en la ecuestre de Marco Aurelio, que ensalza las virtudes del condotiero.
PINTURA
Modelo.
El problema de los primeros artistas es la ausencia de modelos. Masaccio fue el primero que introducirá la perspectiva (El tributo de la moneda). Piero della Francesca centrará su preocupación en los juegos de luces y sombras y la proporción (El Bautismo de Cristo). Paolo Ucello, se siente preocupado por la perspectiva y el movimiento (La batalla de San Romano). Mantegna es el más completo de los pintores cuatrocentistas, su concepción de la perspectiva del "punto de vista bajo" posibilita proyectar figuras en un cielo imaginario. Fra Angélico autor de dulces vírgenes, a pesar de su goticismo no duda en utilizar algunos recursos de la pintura moderna como la perspectiva. A fin de siglo aparecen una serie de pintores preocupados por la belleza, Sandro Botticelli dota a sus personajes de suaves rostros, creando un prototipo de belleza femenina donde plasma el amor platónico, la belleza física es un reflejo de la belleza espiritual, paso hacia la unión con la idea de
Bien, (El nacimiento de Venus).

EL CINQUECENTO. EL CLASICISMO
Durante el XVI Roma (mecenazgo de Julio II), y en menor medida Venecia, desplazaran a Florencia en la capitalidad artística.
ARQUITECTURA
Bramante trabajó en Roma, entre su obra destaca el Templete de San Pietro en Montorio templo circular grecorromano pero coronado por una cúpula y linte
rna. Miguel Ángel representa un cambio hacia el manierismo, creador del orden gigante con enormes pilastras, trabajó en S. Pedro del Vaticano le aportó su gran cúpula inspirada en la de Florencia, otra obra fue la Biblioteca Laurenciana cuya escalera manifiesta dosis barrocas. Vignola fue autor de villas de tipo clásico con aportaciones manieristas mediante los jardines fusionando vegetación y arquitectura, como el Palacio Farnese en Caprarola. Andrea Palladio fue el mejor arquitecto del XVI, trabajó fundamentalmente en Vicenza, su obra Los cuatro libros de arquitectura tuvo una influencia en Europa de tamaño capital, estableciendo tipologías en todo tipo de construcciones, autor de la Iglesia del Redentor en Venecia, Basílica de Vicenza, La Rotonda, Palazzo Chiericati en Vicenza.
ESCULTURA
Miguel Ángel Buanorroti (1475-1564) fue un genio polifacético pero ante todo escultor, por eso su arquitectura y pintura presentan un carácter escultórico. Características: monumentalismo y colosalismo de sus figuras dotadas de fuerza expresiva y tensión dramática (terribilitá), y el equilibrio entre masa y
movimiento (contrapposto).
Entre 1496 y 1498, se encuentra en Roma. Allí en 1497 realizará La Pietá, en rompe con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía, que siempre mostraba el gran dolor de la madre con el hijo muerto en sus brazos. Miguel Ángel, sin embargo, realizó una Virgen, serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio: el artista desplazó toda clase de visión dolorosa con tal de conseguir que el espectador reflexionase delante del gran momento de la muerte.

Seguidamente hará el David. Miguel Ángel realizó un modelo en cera y se puso a esculpir en el mismo lugar donde estaba ubicado el bloque sin dejar que nadie viera su trabajo durante más de dos años y medio, que fue el tiempo que tardó en acabarlo. Hizo la representación de la escultura en la fase anterior a la lucha con Goliat, con una mirada cargada de incertidumbre y con la personificación simbólica de David defendiendo la ciudad de Florencia contra sus enemigos. Los florentinos vieron el David como símbolo victorioso de la democracia. Esta obra muestra todos los conocimientos y estudios del cuerpo humano conseguidos por Miguel Ángel hasta esa fecha.
El año 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. La gran escultura del sepulcro es la figura del Moisés, la única de las ideadas en el primer proyecto que llegó al final de la obra. La estatua colosal, con la terribilitá de su mirada, demuestra un dinamismo extremo. Está colocada en el centro de la parte inferior, de manera que se convierte en el centro de atención del proyecto definitivo. El resto del monumento fue realizado por sus ayudantes.
El papa Clemente VII Medicis, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, y su hermano Juliano. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo.
PINTURA
Leonardo da Vinci es el genio polifacético que domina todos los campos del saber, usó el método científico en la observación de la naturaleza y lo plasmará en su tratado De Pintura. Características: Aportó la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto, en un intento por captar la “atmósfera”; la luz la concibe como una fusión del negro y el blanco, el claroscuro; lo que se traduce en la pérdida de importancia del dibujo en beneficio del color. Obras: La Gioconda y La Virgen de las Rocas de fondos paisajísticos evocadores y misteriosos. Miguel Ángel en la Capilla Sixtina empieza a
vislumbrarse lo que será después el manierismo, combinando su faceta de escultor, pintor y arquitecto, encuadra las escenas de Sibilas, Profetas, Ignudi (jóvenes desnudos) y el Génesis con falsas arquitecturas, culmina con El Juicio Final.
Rafael Sanzio sintetizó lo mejor de los dos anteriores y aportó su sello personal, su pintura es amable y colorista, composiciones bien
estudiadas. Autor de retratos de profunda psicología El cardenal y de las estancias vaticanas La Escuela de Atenas.
La escuela veneciana. Características: predominio del color; además de la gran importancia que adquiere el paisaje dotándolo de una racionalidad casi matemática; exalta la riqueza de la República de Venecia con sus telas, joyas y ambientes palaciegos; dota más importancia al tema secundario que al principal. Destacan Giorgione fundador de la escuela, Venus dormida. Tiziano gran dominador del color y cultivador de todos los temas, Martirio de San Lorenzo, La bacanal, Carlos V en Muhlberg. Veronés pintor del lujo en medio de extraordinarios fondos Moisés salvado de las aguas del Nilo. Tintoretto cuya tensión dramática semejante a la de Miguel Ángel le sitúa en la frontera con el manierismo, El Lavatorio.

El manierismo. Se enmarca en un contexto histórico de crisis mediante la Reforma protestante e inicio de la era de violencia (Saco di Roma de 1527), lo que cuestiona el mundo ideal renacentista. Fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo. Estas son sus características: la forma abandona el equilibrio y adopta una tensión dramática y gana fuerza expresiva; se abandona el lenguaje sencillo por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento, es un estilo intelectual y elitista. El origen de su nombre se debe a la consideración de que el artista se limita a copiar a los genios "alla maniera", de donde se deriva su etimología. Hoy felizmente está superada esta visión simplista, por el contrario, valoramos a las fases manieristas como el fruto de la crisis del lenguaje clásico. Arquitectura: se utilizan los elementos de la arquitectura clásica pero con mayor libertad. Pintura: las figuras humanas tienen un canon alargado y
estilizado (amanerado), los cielos se vuelven tormentosos y los colores se tornan vivos, como muestra la Virgen del Colo Longo de Parmigianino; Escultura: triunfa la "forma serpentinata" como se aprecia en las obras de Benvenuto Cellini Perseo o Juan de Bolonia Mercurio, adoptando numerosos puntos de visión.
EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
Cronología. El Renacimiento español es una síntesis de lo italiano y del espíritu medieval religioso español, es tardío, no se manifestará hasta el siglo XVI.
ARQUITECTURA
El plateresco. Se desarrolla en el primer tercio del XVI. El término se debe a su abundante decoración similar a la labor de los plateros.
Características: El protagonismo de las fachadas profusamente decoradas (medallones y figuras heráldicas) como continuidad del estilo Reyes Católicos; los elementos clásicos como los arcos de medio punto conviven con arcos carpaneles y conopiales del Gótico. Obras: la fachada de la Universidad de Salamanca de autor anónimo; la Casa de las Conchas en Salamanca; Palacio de Cogolludo (Guadalajara) de Lorenzo Vázquez introductor de las formas italianas; Escalera Dorada de la catedral en Burgos de Diego de Siloé; el Hospital de Santa Cruz obra iniciada por Enrique Egas y continuada por Alonso de Covarrubias, modelo de hospital de planta cruciforme con patios entre los brazos.
El purismo. Se desarrolla en el segundo tercio del XVI. En 1526 se publica el libro de Diego de Sagredo, Medidas del Romano el primer tratado de arquitectura renacentista fuera de Italia, muy similar a la obra de Alberti De re Aedificatoria, desde entonces marca la pauta a seguir, se imponen todos los elementos y características de la arquitectura renacentista. Obras: Rodrigo Gil de Hontañón realizará la Catedral de Segovia. Andrés de Vandelvira discípulo de Diego de Siloé proyecta la Catedral de Jaén y la Iglesia del Salvador de Úbeda.
Siloé se encarga de la Catedral de Granada dando forma a un original pilar formado por columnas adosadas de proporciones clásicas. Pedro Machuca ejecuta el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada, una construcción con patio circular, única en su género.
El estilo herreriano. Se desarrolla en el último tercio del XVI. Tiene su origen en el monasterio de San Lorenzo de El Escorial construido entre 1563-84 en conmemoración de la victoria española de San Quintín, Juan Bautista de Toledo fue su arquitecto, había trabajado en Italia a las órdenes de Bramante, a su muerte en 1567 continuará Juan de Herrera, creador del estilo. Fue un estilo propagandístico de los Habsburgo y de la Contrarreforma, basado en el colosalismo y monumentalidad, sobrio que aporta el sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa, tanto externa como interna, reducida a unas pirámides coronadas por bolas. Edificio concebido como colegio, biblioteca, panteón real, palacio y convento, es una imponente masa horizontal de la que destacan las torres angulares coronadas por tejados de pizarra de inspiración flamenca al gusto de Felipe II. La planta es de un simbolismo de difícil interpretación, en el eje central se sitúa la basílica, y a su alrededor de forma simétrica patios como el patio de los Evangelistas y el de los Reyes, se completa el conjunto con otros jardines y huerta.
ESCULTURA
El primer tercio del XVI está caracterizado por la presencia de artistas italianos dentro de la estética del Quattrocento florentino que van desplazando la tradición gótica, es el caso de Fancelli (autor del sepulcro de los Reyes Católicos en Granada y de la tumba del Cárdenal Diego Hurtado de Mendoza) y Torrigiano. Bartolomé Ordóñez muestra este gusto italiano en el sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en Granada. El segundo tercio del XVI desarrolla la escultura renacentista purista. Alonso de Berruguete, discípulo de Miguel Ángel, tomó de su maestro la fuerza dramática y la tensión dramática, presenta "formas serpentinatas" como manierista que era, autor de la sillería del coro de la catedral de Toledo. Juan de Juni es de formación francesa, su obra busca la perfección, destaca Sepultura de Cristo destinado a la capilla funeraria de Fray Antonio de Guevara. El tercer tercio del siglo XVI desarrolla una escultura propagandística y académica cuyos mejores representantes son los milaneses León y Pompeyo Leoni. Características: solemnidad, serenidad, equilibrio, lujo de materiales y virtuosismo técnico. Obras: Carlos V dominando al temor (León) recuerda a los emperadores romanos; Los grupos sepulcrales de Carlos V y Felipe II (Pompeyo) adornan los laterales de la basílica de El Escorial.
PINTURA
En el primer tercio del XVI se intenta fusionar lo italiano con la tradición flamenca anterior, es el caso de Juan de Flandes y Pedro de Berruguete formado en la tradición hispano-flamenca y discípulo de Piero della Francesca, se caracteriza por su colorido (flamenco) y elegancia (italiana). En el segundo tercio del XVI la influencia italiana es mayor, sobre todo de Rafael, como muestra Juan de Juanes autor de La lapidación se San Esteban. En el último tercio del XVI destacan los pintores decoradores del Escorial como Tibaldi, Zuccaro y Navarrete y los retratistas de corte, como Alfonso Sánchez Coello (Retrato del Príncipe Don Carlos) o Pantoja de la Cruz, que desarrollan un retrato frío, distante, elegante, aristocrático y detallista, en la línea de Tiziano.
Pero la figura indiscutible del siglo será El Greco, el más manierista de los pintores. Doménico Theotocopoulos trabajó a finales del XVI y principios del XVII, nació en Candia (Creta) y se formó en la influencia bizantina, que se manifiesta en el empleo de la maniera greca, personajes que manifiestan una belleza
idealizada con un canon alargado y estilizado (amanerado), en Venecia recibió las influencias de Veronés, Tintoretto y, sobre todo, Tiziano, del que él siempre se consideró discípulo, de ellos adquiere el predominio del color y las composiciones complejas. Una breve estancia en Roma le permite conocer la obra de Miguel Ángel, del que aprendió a tratar los desnudos. En 1580 presenta al rey El Martirio de San Mauricio, que le había sido encargado para El Escorial, no fue de gusto de Felipe II que encarga la decoración del Monasterio a pintores de segunda fila. Fija su residencia en Toledo, donde dará a luz sus obras más importantes: La Trinidad, el Expolio, El Entierro del Conde de Orgaz, Vistas de Toledo, en ellos la espiritualidad alcanza su máxima culminación, los colores se hacen más fríos predominando los azules, grises y verdes.